Nouvelle Vague: le dieci ragioni per cui ha rivoluzionato il cinema moderno

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La Nouvelle Vague potrebbe benissimo essere il movimento più importante nella storia del cinema. C’è una buona probabilità che abbiate sentito parlare di questo movimento, ma potreste non avere la minima idea di quanto influente fosse, quante regole abbia rotto ed esattamente come lo avesse fatto. Come ha detto Quentin Tarantino sul movimento: “Qualsiasi libri che illustravano come questo doveva essere fatto, loro li bruciarono”.

Il movimento è stato avviato da alcuni registi amatoriali francesi insoddisfatti dello stato attuale del cinema a causa della mancanza di innovazione nel settore. Ritenevano che i film avessero raggiunto una forma in cui si restava aggrappato ad esso invece di tentare di andare oltre i confini stabiliti, o magari utilizzare formule diverse. Essi erano inoltre in disaccordo con l’enfasi della commercializzazione; non pensate a loro come dei critici ingrati, erano grandi fan del cinema, ma volevano vedere qualcosa fatta in modo diverso una o due volte. Credevano che il cinema dovesse esprimere la verità, essere gestito da una singolare visione complessa come qualsiasi altra forma d’arte. Questo significava che qualsiasi metodo i loro predecessori avevano usato per fare film era superato. Hanno dovuto trovare un’alternativa. Ciò che questo nuovo stile di fare cinema ha fatto è stato semplicemente sconcertante.

Cambiarono il panorama cinematografico in così tanti modi: al di là della critica cinematografica, il pubblico ha iniziato a prestare più attenzione al cinema estero e anche i registi americani del tempo, riconosciuto il suo significato, hanno cercato di emulare con il proprio stile il loro modo di fare cinema – che ha portato al movimento New Hollywood, e che a sua volta ha cambiato direttamente il genere western per sempre.

Questo elenco comprende dieci ragioni di perché e come il movimento ha avuto una grande influenza sul cinema moderno.

  1. Produzione low – budget

Forse la prima cosa che dovete sapere sul movimento è che i suoi creatori non erano delle grandi figure nel mondo del cinema, prima della genesi reale della Nouvelle Vague.
Il movimento è stato formato semplicemente un gruppo di appassionati di cinema che si riunivano per discutere di film, arrivando al punto di voler fare i propri film invece di parlare. Jean-Luc Godard, Francois Truffaut, Jaques Rivette e Claude Chabrol; tutti avevano alcune idee interessanti riguardanti film, ma non avevano il sostegno dello studio e pochi soldi per mettere le loro idee in azione. Tuttavia nella depressione economica post-seconda guerra mondiale, la Francia ha trovato difficoltà solo facendo un film con il proprio budget, anche molto limitato. Dopo ciò, hanno cercato alternative a basso costo alle tecniche di produzione standard che i grandi  studi di bilancio usavano per il loro film.

Questa difficoltà ha portato alcuni a chiedersi se i metodi della Nouvelle Vague erano intenzionali o circostanziali, ma indipendentemente da questo i registi utilizzavano quelle poche risorse che avevano per trasmettere la loro visione sullo schermo. Tale unità e determinazione, e la riuscita di film di qualità su un così basso costo, ha reso il movimento il più ammirato dai registi moderni (come Tarantino, come precedentemente illustrato, che è venuto alla ribalta durante l’ascesa del cinema indipendente negli anni novanta). Senza la Nouvelle Vague a farlo prima, è improbabile che qualcuno possa anche prendere in considerazione il rischio di affidarsi a registi indipendenti.

  1. Montaggio

Forse la cosa più notevole di un film di questo movimento è il suo stile di montaggio. Ciò che lo rende così influente e innovativo è il fatto che prima del movimento, lo scopo del montaggio sia stato principalmente di mantenere la continuità e mantenere l’immagine in movimento ad un ritmo regolare. Il montaggio doveva essere invisibile, mascherato sotto un insieme di norme in materia di come lo stile e l’ordine di scatti devono essere presentati in modo che il pubblico non se ne accorge. Che può essere la prima cosa che i registi della Nouvelle Vague volevano evitare, visto che si sono sforzati di farlo notare. Dopo che a Godard è stato detto che il suo film “Fino all’ultimo respiro” doveva essere ridotto a un’ora e mezza, tagliò invece diverse scene espositive e utilizzò jump-cuts per costruire lo stretto necessario e poi lavoralo “a maglia” in un modo stilistico e innovativo.

  1. Rompere la quarta parete

Il fatto che lo scopo principale del film fosse quello di fornire evasione per il pubblico, ha dimostrato che solo facendo riferimento o fare qualsiasi atto per ricordare al pubblico che stavano semplicemente guardando una serie di immagini in movimento, la Nouvelle Vague ha introdotto pratiche altamente non convenzionali in questo campo (anche se ad essere onesti non completamente inaudite).

L’improvvisazione è stata usata intensamente, ma questo non è stato necessariamente innovativo, ma quello che lo è stato è qualcos’altro: gli attori hanno affrontato la fotocamera o riconoscendo l’esistenza di essa. Cosa unica per l’epoca. In Fino all’ultimo respiro, il personaggio principale imita esplicitamente lo stile di Humphrey Bogart, o in Pierrot Le Fou quando un personaggio chiede con chi altro sta parlando, risponde con ‘Il pubblico’. Questo era tutto progettato per deludere il pubblico su ciò che stavano guardando. Anche se questo è di nuovo parte di uno stile e metodo di scrittura dei film unico, ma c’era soprattutto un punto superiore ad esso. Se il pubblico era consapevole che stavano guardando un lavoro di finzione, allora erano più propensi a vedere il messaggio dietro ad esso e vederlo come qualcosa di più di un semplice intrattenimento senza cervello o di una forma di evasione.

  1. Il regista come creatore complesso

Semplice domanda: non associate il nome di un regista con il loro film, per esempio Ben Hur con William Wyler, o Taxi Driver con Martin Scorsese? Oggi, i registi sono visti come la forza creativa principale dietro i film, mostrando la propria visione e le tecniche sullo schermo invece di essere dominato dal controllo degli studios.

Questo è stato solidificato nella Nouvelle Vague come una tecnica cinematografica chiamata Camera-Stylo che ha fatto sì che un regista usasse la propria macchina da presa nello stesso modo in cui uno scrittore userebbe la penna. È stato un concetto semplice, ma ha significato tanto. L’idea di un regista con i propri marchi commerciali e tecniche visive per personalizzare i propri film e poter seguire la propria visione specifica. Può riguardare le proprie opinioni personali, messaggi che si vogliono trasmettere e i temi che rimangono fedeli al proprio stile di fare cinema piuttosto che essere contrattualmente obbligato a dirigere un progetto che sarebbe sotto pesante esame dallo studio. Come risultato, oggi riconosciamo un film principalmente attraverso il suo stile registico e lo associamo a particolari registi. Riteniamo che siano la principale forza trainante e decisore all’interno del progetto, anche se questo non è il caso attuale.

  1. Ritmo

La stilizzazione del montaggio del movimento divenne un metodo a sé stante. I registi dovettero guardare ogni scena e chiedersi se è stato necessario il messaggio, la trama o i temi del film. Se così non fosse, allora sarebbe stato meglio tagliare. Poi hanno fatto un ulteriore passo e hanno iniziato a tagliare i momenti che non erano importanti per la scena stessa. Tutta questa tecnica accelera il film drasticamente, costringendo il pubblico a prestare attenzione e a lavorare un ritmo molto più veloce nei loro film.

Oggi i film sono spesso criticati per essere molto veloci , ma al momento della nuova ondata, molti l’hanno visto come un miglioramento rispetto al ritmo più lento e talvolta melodrammatico nei principali film di Hollywood. Anche nelle scene di transizione, il ritmo è stato alterato piuttosto di mostrare qualcosa di rappresentativo per il viaggio del personaggio. I registi francesi volevano solo arrivare direttamente a quella posizione, lasciando il pubblico a unire i puntini. Il tutto derivava da una regola di cinema che era ‘Show, don’t tell’ (Mostra, non raccontare). I registi francesi hanno concluso che a volte, non hanno bisogno di fare altrimenti.

  1. Movimento di macchina

Un’altra regola classica era quella di stabilire una nuova location necessaria per impostare un nuova scena, sottolineando il cambiamento di ambiente e lo scenario. Ma più di un paio di volte, i registi di questo movimento muovevano semplicemente la cinepresa attraverso la location.

L’idea di spostare una cinepresa può non sembrare molto, ma al tempo uno stile di ripresa libero era una rarità. È stato utilizzato esclusivamente per film documentari, ma i nuovi registi hanno voluto differenziarsi e lo hanno utilizzato in misura molto maggiore, e con molteplici varianti. Mentre Godard usava una ripresa low-angle di fronte ai suoi personaggi, Truffaut usava riprese a ritmo veloce. Spostando la cinepresa potevano cambiare rapidamente lo spazio di un ambiente all’interno di tale film, uno spazio chiuso potrebbe diventare uno aperto in una sola ripresa, o viceversa. Il film è meno incapsulato e mostra un mondo aperto intorno ai personaggi, piuttosto che il mondo esistesse puramente all’interno della cornice.

Il pubblico potrebbe inconsciamente percepire un mondo molto più ampio e al di là di quello che hanno semplicemente visto. Ciò contribuirebbe a offuscare i confini tra il film e il mondo reale, e se un film viene ritenuto più rilevante per la realtà, il pubblico era più propenso a prestare maggiore attenzione al suo messaggio e applicarlo alla propria vita.

  1. Giocare con le immagini

Nouvelle vague

Tradizionalmente, un regista è limitato dalla struttura delle immagini all’interno dello schermo, potrebbe pur sì giocare con il tono e l’atmosfera attraverso le sue tecniche e movimenti di macchina, ma sarebbe sempre limitato dallo schermo. Se però ci fosse la possibilità che un sentimento potrebbe essere realizzato utilizzando un metodo diverso, i creatori della Nouvelle Vague l’avrebbero di sicuro sperimento. Così, invece di lasciarsi limitare dalle loro immagini, hanno giocato con esse.

La ragione per cui altri registi avevano evitato questo era perché avevano ritenuto che un tale atto avrebbe rotto l’illusione del film. Ma i francesi non erano preoccupati per il mantenimento di una illusione, volevano che le persone notassero le loro tecniche e, pertanto, non hanno avuto problemi ad alterare una delle leggi fondamentali del cinema, cambiando la dimensione del loro ‘telaio’ in diversi punti del film. Invece di usare primi piani per attirare l’attenzione del pubblico su una cosa, hanno modificato l’intera struttura in modo da aggiustare l’immagine su quest’unico aspetto. Lo stesso scopo è servito per utilizzare la macchina per richiamare il pubblico verso un dettaglio specifico, ma ancora una volta è stato un modo diverso di ottenere lo stesso effetto. Questo ha permesso loro di mantenere la loro inquadratura senza muovere o regolamentare la fotocamera, rompendo in un modo l’illusione in un aspetto, ma esaltandola in un altro. Inoltre hanno introdotto la tecnica del ‘fermo immagine’ per sottolineare un solo momento, molto simile alla famosa scena finale dei 400 colpi.

  1. Temi

Sopra tutto il resto, la Nouvelle Vague stava filmando la verità attraverso la creazione di una visione singolare che poteva essere sviluppata con le loro tecniche al fine di creare ciò che hanno visto come la rappresentazione più onesta e veritiera delle loro storie. È stato un rifiuto consapevole dei temi che si facevano al momento e un forte desiderio di riprendere la gioventù e temi socialmente rappresentativi.

Utilizzando i propri metodi con il loro completo controllo, il regista spera di trasmettere le proprie opinioni, emozioni ed esperienze di vita. Erano loro gli appassionati di cinema che aveva vissuto al fianco di tutti gli altri in Francia, sicuramente avrebbero potuto comprendere i problemi e le esperienze più di ogni altro cittadino.

Come abbiamo già detto, essi non si opponevano direttamente alle tecniche dei loro predecessori, hanno ritenuto semplicemente che questo non era il loro modo di riflettere la loro vita e che questi metodi non potevano avere la stessa rilevanza che essi pensavano di poter raggiungere con i propri film. Invece di basarsi su metodi tradizionali, hanno pensato che era meglio usare i mezzi più veritieri per raccontare la vita.

  1. Il disprezzo per pubblico

Un aspetto per cui i registi della Nouvelle Vague si trovavano in disaccordo con i film del loro tempo era che i messaggi, trama e temi del film sono stati nutriti per il pubblico. Gli studios erano preoccupati che il pubblico non avrebbe visto un film che a malapena capivano e sono stati continuamente semplificati per aumentare il loro appeal. I registi di questo movimento hanno ritenuto che il loro pubblico dovesse essere messo in discussione e costretto a guardare oltre quello che stavano semplicemente vedendo e considerare la propria percezione di esso. Piuttosto che semplicemente usare le loro immagini per stordire e stupire il pubblico, giocavano con le loro aspettative e concezioni. Volevano scioccare il pubblico, essere audaci e diretti invece di fornire semplicemente evasione.

Questo sarebbe poi stato considerato come avere un ‘disprezzo per il pubblico’, la creazione di pezzi che stimola la riflessione del film che serve a generare più considerazione per il materiale di fronte a loro. Volevano i loro film da discutere, analizzare, hanno deliberato in modo che lo spettatore non poteva essere ingenuo su quello che dicevano nei loro film. Questo tipo di regia può essere visto da registi successive come Stanley Kubrick o di David Lynch.

  1. Rompere le proprie regole

Queste tecniche e metodi sono cosa buona e giusta, ma cosa succede quando si dispone di un nuovo ordine costituito? Per quanto riguarda gli autori hanno visto che, a quel punto sarebbero di nuovo al punto di partenza, bloccato all’interno di un insieme regolamentato di regole che limitano il talento creativo di altri registi da seguire. Così, dopo un po’ hanno persino cominciato a rompere le proprie regole del cinema.

Andando oltre le proprie tecniche consolidate, hanno assicurato che il movimento potrebbe sempre evolversi e adattarsi, si potrebbe sempre trovare un modo per parlare direttamente con un pubblico e sfidare lo status quo, potrebbe sempre essere rilevante e importante e sorprendente.

A cura di Antonio Mancina

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