I 5 film che rendono Woody Allen, Woody Allen

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Non vi è alcun tergiversare quando si tratta di Woody Allen. Regista, attore, sceneggiatore, drammaturgo e quattro volte premio Oscar, ha fatto tutto. E con il suo ultimo film, Café Society, è impossibile ignorare un uomo che ha guidato il cinema americano per quasi 60 anni. Ma cos’è che rende un film di Woody Allen semplicemente così grande?

In mancanza di scuola di cinema della New York University nel 1953, è difficile immaginare l’eredità che Allen sarebbe andato a stabilire. Eppure è stato il suo contributo alla commedia drammatica durante il 1970, con film del calibro di Io e Annie e Manhattan, che non solo ha consolidato la posizione di Allen come un autore credibile e coerente, ma ha introdotto un nuovo livello di sofisticazione e grandiosità al cinema.

La forza di Allen non solo si trova solo con la sua capacità di raccontare una storia avvincente – sia che essa affonda le sue radici nella commedia, dramma o di fantasia – ma per incapsulare con successo e autenticamente il desiderio umano di amare e di voler essere riamato. Allen è il maestro per eccellenza di ritrarre visivamente attraverso film le gioie e i tormenti dei rapporti umani.

In tutti i suoi film ha sempre creato personaggi identificabili che non solo abbiamo capito, ma che tutti noi riconosciamo dentro di noi individualmente. La capacità di Allen di creare la più naturale delle atmosfere sullo schermo gli ha fatto guadagnare la credibilità per dirigere alcuni degli attori di maggior talento della nostra epoca. Il suo umorismo sagace e auto-riflessivo espresso sia nella sua recitazione e la scrittura, il suo dialogo senza sforzo, e lo stile naturale, ne ha fatto uno degli autori più apprezzati. E così questo elenco essenziale di Woody Allen guarda le cinque opere più importanti fino ad oggi, che riflette le molte facce di uno dei migliori registi americani.

1. Io e Annie (1977)

Senza dubbio considerato da tanti il suo miglior film fino ad oggi, Io e Annie ha vinto 4 principali Academy Awards nel 1978 tra cui miglior film, miglior sceneggiatura, miglior attore e migliore attrice. Col suo stile brillante e dialoghi non convenzionali, è il film di Woody Allen che tanti film hanno tentato di replicare da allora. Alvy Singer, interpretato da Woody Allen, è un comico nevrotico che vive a New York. Un anno dopo la sua rottura da Annie, interpretata da Diane Keaton, Alvy si sforza di rivivere e rivisitare la rottura del suo rapporto dai suoi inizi idilliaci fino alla sua amara fine, mentre cerca disperatamente di scoprire le ragioni per le quali la storia tra lui e Annie si è conclusa.

Ciò che rende Io e Annie così superbo, oltre ad essere il film più identificabile di Allen sia narrativamente e stilisticamente, è il suo tentativo di pensare un po’ fuori dagli schemi con momenti all’interno del film in cui Allen parla direttamente alla telecamera, come a parlare al suo pubblico, e introducendo storie di altre persone, anche con l’animazione. Queste piccole stranezza aggiungono un senso di magico-realismo alla narrazione che funziona così bene e crea un forte senso di personalità che, come un buon vino, Io e Annie è cresciuto più gustoso con l’età ed è rilevante oggi come lo era nel 1977.

 

2. Manhattan (1979)

Come Jean Luc Goddard cattura Parigi così bene in Fino all’ultimo respiro, Allen offre un omaggio simile a New York City con Manhattan. Un flusse di coscienza corre per tutta Manhattan, con Allen ancora una volta che versa le proprie frustrazioni nella sceneggiatura, le sue ansie nei confronti delle donne. Isaac, interpretato da Allen, è un uomo quarantenne tormentato dalle donne. Ha una relazione abbastanza aperta con una minorenne di 17 anni, mentre allo stesso tempo lotta per coesistere con la sua ex-moglie, interpretata da Meryl Streep, che è ora in una relazione lesbica ed è in procinto di pubblicare un libro sul suo disastroso matrimonio fallito con Isacc.

A complicare ulteriormente le ansie e la situazione di Isaac è poi l’incontro e l’infatuazione per Mary, affettuosa e un po’ edonista, interpretata da Diane Keaton, che sembra essere l’amante del migliore amico di Isaac. Ne consegue uno stato di cose aggrovigliato, ipocrisia e confusione mentre Isacc lotta per sfondare la sua crisi di mezza età e realizzare ciò che è lui vuole veramente dalla vita.

E’ molto chiaro capire perché così tanti considerano Manhattan come uno dei migliori film di Allen. Esteticamente è eccezionalmente attraente, splendidamente girato in bianco e nero, mostrando la città dei sogni. Narrativamente è ingannevole, affascinante, spiritoso, e sui tempi un po’ nevrotico. E’ forse una delle immagini più riconoscibili di Woody Allen con la sua familiare composizione muschiato jazz e la narrazione tagliente.

Non sembra strana la facilità di Allen e la comodità nel ritrarre un uomo di mezza età apertamente impegnarsi in una relazione con una ragazza. Nella vita personale di Allen è stato un po’ una questione pubblica i suoi rapporti con le ragazze più giovani, ma ciò che Manhattan raggiunge oggi è un ricordo di un tempo in cui certi argomenti sono stati semplicemente ignorati o spazzolati sotto il tappeto, e accentua ulteriormente fino a che punto abbiamo avanzato dal 1978 con un crescente senso di uguaglianza tra i due sessi.


3. Hannah e le sue sorelle (1986)

Hannah e le sue sorelle è uno dei più riusciti e notevole commedia-drammatica di Allen, che racconta le storie interconnesse di una famiglia per un periodo di due anni. Hannah, interpretata da Mia Farrow, è un’attrice di successo, una bella donna, una madre premurosa, una moglie amorevole, e il perno alla sua famiglia. Sul valore nominale tutto è perfetto, ma sotto la superficie le situazioni sono molto più complicate.

Il marito di Hannah, Eliot, interpretato da Michael Caine, è profondamente innamorato di sua sorella Lee, interpretata da Barbara Hershey, mentre l’altra sorella di Hannah, Holly, meravigliosamente interpretata da Dianne Wiest, è grossolanamente gelosa dei successi di Hannah. Nel frattempo l’ex marito di Hannah, Mickey, interpretato da Allen stesso, è un ipocondriaco convinto che sta morendo di un tumore al cervello. Con tutti questi individui che egoisticamente esistomo intorno a lei, Hannah è costretta a rivalutare la sua vita. Riuscirà a continuare a seppellire la testa nella sabbia o scoprirà un nuovo filone di indipendenza?

Hannah e le sue sorelle è forse migliore esempio di una forte e piena narrazione, guidata da personaggi credibili, e interpretato da un ensemble della crème de la crème di attori. Ciò che mantiene Hannah e le sue sorelle così bene a terra e così identificabile è la sua rappresentazione di una famiglia disfunzionale che irradia una rappresentazione senza tempo e abbastanza precisa delle famiglie a livello internazionale. Con il suo ritmo costante e i toni contemplativi, non solo si riesce a comprendere i disagi e maltrattamenti nei confronti di una donna, ma cominciamo a capire e empatizzare con le azioni di coloro che la commettono, ricordandoci che siamo ‘solo esseri umani’, dopo tutto.


4. La rosa purpurea del Cairo (1985)

Nelle ombre di molti altri grandi film di Woody Allen si nasconde un classico dimenticato, La rosa purpurea del Cairo. Ancora una volta a New York nel bel mezzo della Grande Depressione, Mia Farrow interpreta la fragile Cecilia, una cameriera alle prese con un marito violento. L’unico conforto che Cecilia ha nella sua triste vita è il cinema locale dove lei va spesso da sola cercando di non pensare alle sue preoccupazoni.

Mentre va a vedere ogni volta l’ultimo film uscito al cinema, La rosa purpurea del Cairo, Cecilia pian piano si innamora follemente del personaggio ed eroe del film Tom Baxter, interpretato da Jeff Daniels. La cosa prende una svolta bizzarra, quando in cambio il personaggio sullo schermo di Tom Baxter nota Cecilia tra il pubblico, si innamora di lei, ed esce fuori dallo schermo ed entra nell’auditorium per unirsi a lei nel mondo reale. Segue poi un inseguimento con entrambi i funzionari e Gil Shepard, l’attore che ha inventato il personaggio di Tom Baxter, interpretato anche da Jeff Daniels, che cercano disperatamente di localizzare il fuggitivo e la sua fanciulla.

La rosa purpurea del Cairo è confezionato come un film di avventura e romanticismo dei vecchi tempi con un omaggio straziante pagato dalla fantasia. Ciò che funziona in modo brillantemente con La rosa purpurea del Cairo è la capacità di Allen di manipolare il suo pubblico a credere e aspettarsi un finale felice, ma spiazzandolo con qualcosa di totalmente imprevisto.

Anche se questo film è una visione un po’ leggera e facile, le tribolazioni di una donna apparentemente debole e disperatamente infelice sono resi ancor più insidioso quando si suggerisce nel corso del quadro che un lieto fine sarà sufficiente. Eppure, come molti film di Allen questo semplicemente non è il caso. La rosa purpurea del Cairo si pone come uno dei film silenziosi, ma è uno dei più grandi di Allen per la sua capacità di evocare tante emozioni contrastanti, dalla gioia al dolore, e lasciano ancora il suo pubblico con un senso di meraviglia interdetta.

5. Midnight in Paris (2011)
Con il suo racconto semi-surrealista, di calmo senso dell’umorismo e un cast illustre, Midnight in Paris si rivela l’opera più creativa e fantastica di Allen. Owen Wilson è Gil Pender, uno sceneggiatore americano di successo ma frustrato che tenta di scrivere il suo primo romanzo. Mentre è in vacanza a Parigi con la sua fidanzata materialista, Inez, e i suoi genitori, Gil decide di fuggire una sera; si fa una passeggiata di mezzanotte per le vie acciottolate di Montmartre. Perso, Gil viene avvicinato da un misterioso veicolo 1920 dal nulla, e come per magia si ritrova indietro nel tempo in una Parigi in cui Gil ha sempre fantasticato.

A Parigi, dove viene introdotto ai fumosi bar jazz sotterranei del 1920, incontra artisti del calibro di F. Scott Fitzgerald e Hemingway, maestri letterari che hanno influenzato molto il lavoro di Gil. Alla luce del giorno e Gil si sveglia, stordito e confuso di nuovo nella Parigi di oggi. Incerto se era tutto solo un sogno lucido, Gil torna curiosamente nelle strade di Montmartre la notte seguente con un ardente senso di speranza che il veicolo del 1920 verrà a rapirlo un altra volta.

Come concetto, l’idea di Midnight in Paris è così identificabile con la creazioni di Woody Allen che è impossibile immaginare il risultato che sarebbe stato se un altro regista avesse tentato di prenderne le redini. La narrazione affascinante, la luce e il dialogo con la caratterizzazione fragile ma affascinante di Owen Wilson, lo sceneggiatore californiano, è un ricordo della striscia più sensibile e un po’ stramba di Allen sia come scrittore e regista. Con una forte enfasi sul modernismo, fantasia e nostalgia, il messaggio di Allen è chiaro: L’erba è davvero sempre più verde.

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